Coincidiendo con el acto de apertura de València Design Fest se ha inaugurado, en el Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), la muestra ‘Tiempo y Materia. Crafting connections: Exploring collaborations in contemporary crafts’, que se fija en la creación artesanal contemporánea y reúne una cuidada selección de piezas diseñadas por estudios y talleres nacionales e internacionales, comisariada por los valencianos Estudio Savage.
Retrato Estudio Savage (Fotografía: Ernesto Sampons).
La artesanía contemporánea se ha convertido en un campo de reflexión y experimentación sensorial, formal y simbólica a través de la confrontación y el diálogo entre la tradición y la innovación, entre los materiales naturales y los materiales inteligentes, entre las técnicas manuales y las nuevas tecnologías, entre la identidad local y el desarrollo global, «erigiéndose en la vanguardia de las nuevas tendencias socioculturales que transforman el mercado», explican Adrián Salvador y Lucas Zaragosí.
‘Tiempo y materia’ supone un espacio donde poder comprobar cómo la artesanía tiene un camino válido de desarrollo junto al diseño y, sobre todo, de permanencia de materiales, técnicas y procesos de elaboración.
«En esta segunda edición exploramos cómo la artesanía contemporánea adopta una perspectiva colaborativa, ocupando el espacio entre al arte y la industria, y abarcando un amplio espectro que va desde el producto artístico y el design-art. La artesanía contemporánea, multifacética y diversa, abarca múltiples disciplinas que demandan metodologías más complejas, nuevas estructuras de trabajo y colaboraciones, pero, sobre todo, un pensamiento más abierto y expansivo sobre lo que tradicionalmente entendemos por artesanía. El artesano tradicional evoluciona y se hace valer de más herramientas o de un equipo multidisciplinar compuesto por expertos en distintas técnicas, en marketing y comunicación, en dirección creativa o en psicología, por ejemplo, repartiéndose tareas y roles, prestándose mutuamente ayuda, coordinando esfuerzos, con el fin de alcanzar el objetivo previsto», reflexionan los comisarios.
«Esta muestra representa en sí, desde su comisariado hasta su producción, un ejercicio de conversaciones entre profesionales que abordan la colaboración como el eje de la artesanía», explica Adrián Salvador Candela.
Algunas piezas de la exposición
Colibowl, de Ana Illueca
«Colibowl se inspira en el paisaje más preciado de Valencia: su huerta. Resaltamos su valor plasmándolo en cerámica. Valencia es como un gran almacén de productos frescos, la ciudad está rodeada de campos que nos proporcionan alimentos, tradiciones y bienestar. Cuencos hechos con el molde de una hermosa coliflor valenciana. Porcelana sin esmaltar por fuera, esmaltada por dentro en los tres colores más representativos del Mediterráneo: azul, amarillo y verde. Originales, divertidos y llamativos», explican. Es una pieza de la ceramista Ana Illueca, finalista premio de innovación cerámica 2018 y directora del proyecto ADN Cerámico, finalista en los Premios Nacionales de Artesanía.
Sandalias Veja, de Aldanondoyfdez
«Este modelo se enmarca en la colaboración con el diseñador de moda Vejas, que nos pidió una sandalia inspirada en la hoja de palmeta», explican Aldanondoyfdez. «Se trata de un corte sencillo que envuelve el pie sin ningún tipo de cierre. El relieve de la puntera se consiguió colocando unas piezas de piel curtido vegetal entre el forro y el corte, por encima del puntafuerte, de manera que al bajar la puntera del corte pudimos trabajar con un hueso las acanaladuras de la puntera reforzando las distintas secciones de la hoja».
Aldanondo y Catuxa Fernández son licenciados en arquitectura. Se formaron en zapatería artesana durante 5 años como aprendices de los maestros artesanos Pitu Cunillera y Carlos Piñol. Desde 2018 compaginan el trabajo del taller con la labor docente en escuelas de diseño. En el año 2019 recibieron el Premio Nacional de Artesanía en la categoría de emprendimiento y en el 2022 volvieron a recibir el Premio Nacional de Artesanía, esta vez en la categoría de producto.
Gancho, de Helena Rohner + Ferm Living
«Quiero crear arte de uso cotidiano que mejore la experiencia del diseño de forma casual. Esto permite una interacción crucial del consumidor con el diseño a la altura de los ojos». El objeto escultórico se convierte en el centro de atención de cualquier habitación. Los ganchos de pared adoptan libremente la forma de sus nombres: seta, limón y rebozuelo, y son tanto una pieza escultórica como un accesorio funcional, ya que pueden utilizarse como ganchos de pared para ropa y accesorios, pero también como pomos de puerta, tiradores de armario o asideros de armario.
La pureza de líneas, la simplicidad de las formas y la original combinación de la plata con materiales tan sorprendentes como la porcelana o la madera se traducen en belleza en estado puro en las joyas de Helena Rohner. Desde su Canarias natal a la magia de Florencia, la vitalidad de Londres o la luminosidad de Madrid han dejado huella en las creaciones de Helena. Pero, actualmente las joyas se producen íntegramente en España. Además, de joyas, en su recorrido de 29 años ha creado originales vajillas, lámparas, jarrones y juegos de té.
Hongo, de Tina Vaia
«Es una pieza multifuncional que destaca por su versatilidad y capacidad para adaptarse a diferentes espacios. Además de cumplir su función principal, puede transformarse en una elegante mesa auxiliar, proporcionando una solución flexible y práctica en diversas estancias. Su diseño compacto lo convierte en una opción ideal para áreas con limitaciones de espacio o ambientes acogedores. Con un estilo que incorpora elementos de la artesanía mediterránea, el taburete Hongo aporta un toque distintivo inspirado en la riqueza cultural de Valencia a cualquier entorno doméstico».
Tina Vaia es una especialista británica en diseño espacial y de marca, vive en Valencia y trabaja a nivel mundial. Se especializa en crear entornos hermosos y transformadores que dan vida al espíritu de una marca, a menudo para exhibir productos deseables. Durante muchos años ha trabajado en el mundo de la moda y la arquitectura. Su diseño transmite la calidez del toque humano, mientras que su ejecución es elegante y meticulosa.
Mitos17/Iguana 2024, de Canoa Lab
Esta pieza es el resultado de un ejercicio de exploración entre diversas técnicas de construcción cerámica. “Sin una intención original más allá de generar una experiencia”, su propósito es exponernos a situaciones típicas de una relación consciente entre el creador y el observador en diálogo con la materia. Está diseñado y producido como parte del proceso de creación de una serie de 25 piezas en colaboración con la marca de muebles hechos a mano Lawson Fenning (Los Ángeles, California).
Canoa Lab, formado por Raquel Vidal y Pedro Paz, es un estudio de cerámica contemporánea con sede en Valencia. Su inspiración proviene de la arqueología y las vasijas y cántaros de la edad antigua en el Mediterráneo. Su trabajo es una reinterpretación contemporánea de formas atemporales y una experimentación con diferentes técnicas tales como el torno, el molde, la técnica de rollos y el esmaltado. El trabajo del dúo ha sido presentado en diversas exposiciones internacionales y han recibido numerosos reconocimientos.
Moui Collection, de Irthi x Estudio Savage
Artesanía, cultura, empoderamiento y paisaje se entremezclan una vez más formando un diálogo en la nueva colección de Irthi x Estudio Savage, una exclusiva serie de fruteros que buscan recontextualizar el tradicional arte emiratí entrelazándolo con la marroquinería española. “Se trata de un proyecto que busca empoderar a artesanas emiratíes, generar ingresos sostenibles y poner en contacto el arte de estas mujeres con artesanos de España”.
Apoyados por este proyecto y bajo las directrices de Estudio Savage, han creado una colección de fruteros elaborada combinando técnicas de ahormado de cuero vegetal, tinte natural y pasamanería ‘Talli’, una trenza hecha a mano en algodón y khose metálico que va entretejida sobre estos. Inspirados por las dunas del desierto y los velos drapeados de las mujeres emiratíes, los fruteros se pliegan en formas escultóricas y curvilíneas. Esta última colección en piel azul royal recuerda a las olas del mar, presente también en la geografía de Sharjah. La colaboración asocia y fusiona artesanías y técnicas internacionales y preserva el patrimonio artesanal indígena.
Pieza «G0D1», de Edu Tarín, finalista Loewe Craft Prize
Tras tallar tradicionalmente a mano cada colgante a partir de una sola piedra, se realiza un escaneado 3D del colgante y otro de la piedra en bruto y se elabora un grabado mecanizado CNC del negativo del colgante en la piedra natural. De este modo, el colgante se incrusta parcialmente en el objeto en pie, creando una relación simbiótica entre lo que fue y en lo que se ha convertido, lo que parece y lo que es. Una reciprocidad de técnicas, de la tradición a la modernidad, que invita a racionalizar sobre el propio proceso donde el «qué» se genera como reflejo del «cómo».
Hijo de joyeros, Edu Tarín se formó en el taller de la empresa familiar en sus inicios. Posteriormente, estudió joyería artística en la Escuela EASD Valencia, se licenció en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Sciences Trier y se graduó con un Máster en Bellas Artes en Alemania. Actualmente, se dedica a la investigación de nuevas tecnologías aplicadas al diseño de joyas, dominando la técnica del grabado en piedra. También ha trabajado como investigador en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes. Recientemente su obra ha sido galardonada con premios tanto nacionales como internacionales.
Anhelo 01, de Amanda Selvi + Lebrel + Mario Momplet
Este taburete forma parte de una serie limitada de objetos que exploran la intersección entre el diseño de producto y la fabricación artesanal. Su diseño está profundamente enraizado en la memoria personal de la diseñadora. Simboliza la conexión con el pasado y la nostalgia de momentos compartidos, como el acto de pelar habas junto a su abuela, sentadas en taburetes en un pequeño corral. “La obra busca cerrar la brecha entre la ausencia de estos recuerdos de infancia y las referencias adquiridas en la etapa adulta en un contexto cultural diferente al de origen”.
Amanda Selvi es graduada en Diseño Industrial (CEU UCH) y en Ingeniería de Materiales (TUHH). Tras una extensa carrera como Directora de Arte en Alemania, busca reconectar con sus raíces y explorar nuevas posibilidades creativas, alejándose del trabajo digital. Inspirada por el legado artesanal de su abuelo, aspira a establecer un estudio de creación propio en la casa donde este ejercía de herrero, devolviendo el carácter original al lugar y transformando sus anhelos en objetos tangibles. Su trabajo rinde homenaje al diseño artesanal generando sinergias entre tradición y modernidad.
Plat de pa, de Andreu Carulla + El Celler de Can Roca
El pan ha sido un alimento básico durante siglos, en todo el mundo, en todas las culturas, también en la cocina tradicional catalana con el clásico ‘pa amb tomata’. PlatDePa es ese escenario o «lienzo» donde colocar diferentes delicias y aperitivos, y pretende potenciar su presencia, fabricado en aluminio, cada plato es diferente y único, ya que se utilizaron como modelos barras de pan reales que al unirse forman una barra entera. PlatDePa se utilizó por primera vez, y se sigue utilizando, en El Celler de Can Roca, elegido Mejor Restaurante del Mundo 2013 y 2015 y Best of the Best 2020.
Con la materialidad, la artesanía y la sostenibilidad como objetivos, Andreu Carulla crea bellos objetos y espacios con un atractivo atemporal. Siguiendo el sueño de su infancia de convertirse en inventor, el catalán Andreu Carulla fundó su estudio de diseño de producto homónimo en 2006, convirtiéndose en una de las empresas de diseño más versátiles que trabajan actualmente en España. La exploración constante de materiales, técnicas de la vieja escuela y procesos contemporáneos caracteriza los proyectos del estudio, que incluyen mobiliario, vajillas, iluminación, dirección creativa, interiores y mucho más.
Estas y todas las demás piezas que forman la muestra ‘Tiempo y Materia. Crafting connections: Exploring collaborations in contemporary crafts’, se pueden ver en el MuVIM (Quevedo, 10. Valencia), hasta el 13 de octubre.
